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Crónicas de una dirección diversa.

Dirección escénica.

Hace ya un tiempo me sumé a las reuniones para la creación de la Asociación de profesionales de la dirección escénica argentina (APDEA). Por lo general necesito escribir sobre lo que hago, sobre lo que me sucede y sobre lo que veo y escucho. Escribir y dirigir son las formas que encontré de tomar una prudente distancia de tanta crueldad y violencia cotidiana. 
Me llevó muy bien con mi soledad, por lo cual socializar en determinadas situaciones suele representar el esfuerzo de salir de la comodidad y seguridad que me brindan mi soledad y mi rutina. 
Cuando me acerqué a las reuniones de APDEA fue por algunos impulsos irracionales que recién después de unos meses pude racionalizar. Fui buscando acercarme a personas las cuales suponía tendrían problemas similares a los problemas que enfrento en mi trabajo de director teatral. También me acerqué por la curiosidad de participar en un espacio nuevo y ver de que manera se estaba creando esa asociación. 
Después de la primera asamblea tuve la sensación en el cuerpo de que allí había algunos directores y directoras con quienes me podría juntar hasta altas horas de la madrugada a conversar sobre nuestras pasiones, miedos, sueños y contradicciones. Es un tarea difícil poder hablar de las propias contradicciones con pares sin juzgarse mutuamente. 
Estos impulsos irracionales que suceden en mi vida cotidiana a veces encuentran su camino de expresión mediante la estética y otras veces mediante al política. 

Género.

Un refrán popular que tomo de manera sincrética reza que "dios los cría y el viento los amontona". Por lo cual a medida que fui participando en distintas reuniones me fui acercando a la "comisión de género" que estaba realizando sus primeras reuniones. Me dejé llevar por el viento porqué quería sumarme a la comisión dónde participaban las personas que además de interesarles la dirección escénica les interesaba la problemática de género. Este fue el primer motivo que se volvió más racional que impulsivo. Al ser un director varón tengo ciertos privilegios que las directoras mujeres no tienen, por lo cual intentar ceder esos privilegios junto a directoras y directores me pareció el primer motivo razonable para participar en la comisión de género. 
Ahora bien, a medida que fui procesando mi deseo de encontrar la mejor manera de brindar mi tiempo al servicio de una asociación de directores y directoras, comprendí que quería encontrar la forma de compartir una experiencia específica con la que cuento entre estética y política. Entendía en esa instancia de mi proceso que la comisión de género se enfocaría en los problemas del machismo y del patriarcado en el ámbito laboral de las artes escénicas. Allí fue cuando empecé a proponer e insistir en las reuniones que la "comisión de género" pudiera incorporar el concepto de diversidad para poder darle un espacio en la comisión a los problemas que se derivan de otros sistemas de opresión como el negacionismo, racismo, fascismo, esteticismo, capacitismo o cuerdismo. 

Diversidad.

Entonces llegó el momento en que se votó en una de las asambleas formalizar la "comisión de género y diversidad" y la ansiedad que tenía acerca de si podría sumarme se calmó. Si bien considero que el mejor nombre para la comisión sería "comisión de minorías" el nombre que finalmente tiene expresa la posibilidad de darle un lugar a las problemáticas que enfrentan las personas que nos reconocemos en alguna minoría social.
Una vez que se formalizaron las reuniones de la "comisión de género y diversidad" me entusiasmé mucho debido a que se creó un grupo humano con el cual se podrán llevar adelante acciones que promuevan la diversidad y la perspectiva de género en las artes vivas. 
En lo personal mis expectativas con esta comisión son a largo plazo dado que es un espacio que reúne la posibilidad de debatir y llevar adelante acciones acerca de estética, poética, ética y política en las artes vivas. Lo particular que puedo aportar se relaciona con la promoción de la diversidad mental en las artes vivas. 
Así como la perspectiva de género se ha instalado como una necesidad de justicia social mediante la estética, considero que la perspectiva neurodiversa en las artes vivas, en algún momento logrará visibilizar los problemas que enfrentaron artistas como Sarah Kane o Antonin Artaud. 
Si las sociedades comprendieran que en las artes escénicas hay lugar para experiencias como las de Kane y Artaud, seguramente se arrepentirían de haberlas encerrado en un manicomio. 

"Fhuir": reirnos para sobrevivir

"Fhuir" es la nueva propuesta de Julia Muzio y Jorge Costa,  que sostienen una ya popular compañía teatral hace 15 años, que nos ha brindado piezas tan sutiles y sensibles como "Mi.Me", tan carnavalescas y delirantes como "Tamorto" y tan necesarias para la  historia del arte como "Humanidad S.A". 



En esta oportunidad Muzio y Costa, dan un nuevo paso en su camino artístico y nos ofrecen una obra donde llevan a escenas los conflictos cotidianos de una pareja luchando contra obligaciones cotidianas como la crianza, el trabajo y la sexualidad. En "Fhuir" todo lo que la sociedad nos impone queda en evidencia, porque sus personajes al escapar del idioma dejan al desnudo los perversos e invisibles hilos del control social. En ese momento es cuando los personajes fracasan y sufren sistemáticamente, sin saber porque están fracasando y sufriendo. 

Pero "Fhuir" no es un drama para lamentarse sino que se trata de una inteligente comedia que mediante la danza y el teatro muestra por ejemplo una pareja desayunando que ya no tiene fuerzas ni para salir de su casa, o a una mujer a la que "estar bien" mientras hace gimnasia en una plaza se le ha vuelto una obligación de vida o muerte. 

Nos vemos reflejados en más de una escena, porque sabemos que a veces las tareas cotidianas se pueden volver una obligación insoportable si perdemos el sentido del humor. Podríamos especular que "Fhuir" demuestra la vigencia de la poética artaudiana en tiempos de alienaciones peligrosas para las "democracias" capturadas por los medios de comunicación. Pero no nos vamos a desviar de esta reseña...

Es maravilloso poder disfrutar con tanto placer una obra en la que no se utiliza el idioma. Estamos tan saturados con los medios de comunicación, la publicidad y las redes sociales, que conmueve ver a dos artistas en escena, bailando, jugando y actuando que nos cuentan la historia de una pareja con música e imágenes. 

"Fhuir, épica de la vida cotidiana" no es solo una obra de danza y de teatro, sino que es una propuesta estética tan sutil y delicada como divertida y mágica. Ojalá muchas personas puedan disfrutar de esta pequeña y enorme historia del teatro porteño. 

CUANDO: Viernes 21 hs.
DONDE: Av. Corrientes 1624.



Actúan:
Jorge Costa, Julia Muzio
Vestuario:
Almendra Vestuarios
Escenografía:
Pablo Cordero Jaure
Objetos:
Gabriela Guastavino
Sombras:
Alejandro Bustos
Diseño gráfico:
Renata Cymlich
Asistencia De Piso:
Yamila CaireZeta
Asistencia de iluminación:
Miguel Angel Madrid
Dirección De Movimiento:
Mariangeles Gagliano
Dirección:
CiadeTeatroCorporalJulia Muzio



Carta a Macri.

Carta al señor presidente Mauricio Macri
Estos días se dio a conocer que usted va a firmar un decreto de "necesidad y urgencia" que va a modificar la reglamentación de la ley nacional de salud mental y adicciones. Vine a la puerta de la casa rosada a la plaza de mayo a leerle esta carta. (Incluso me filmé a mi mismo con mi celular, pero me da pudor publicar el video).
Quiero pedirle que no firme ese decreto. La verdadera necesidad y urgencia es implementar la ley 26.657 y transformar los loqueros en hospitales generales. Su cuñado Alejandro Awada declaró que cuando estuve en un loquero sintió estar en el infierno. La Biblia enseña "amarás a tu prójimo como a ti mismo".
Con todo respeto, le quiero contar que los loqueros no son lugares para el amor, el cuidado y el tratamineto, sino que son lugares para dopar a las personas, encerrarlas en habitaciones de contención y castigarlas por ser locas.
Quisiera poder explicrale esto de manera personal, y esta carta, quizás sea algo muy ingenuo d emi parte. Pero necesito seguir soñanado y creyendo que podemos vivir en una sociedad sin loqueros, es decir en una sociedad mas segura y justa. Y como soy escritor le escribo esta carta. Ojalá llegue hasta usted. Amablemente.
Alan Robinson

Aprender a fracasar.


Fracasar es difícil, porque no queremos y no sabemos cómo hablar de nuestros fracasos. Creo que tampoco sabemos como fracasar. Ese parecería ser el gran problema. Buscamos distintas formas todos los días de triunfar, pero hemos dejado a un lado las búsqueda de caminos que nos enseñen formas de fracasar. Por otro lado las industrias culturales, nos llevan cada vez más a quienes hacemos teatro a volvernos profesionales competentes y competitivos. Últimamente estuve llenando formularios como guionista de un documental, en los que me preguntaban cuales son mis ventajas sobre mis competidores, y que describa a mis clientes.

La aparición de las redes sociales en nuestras vidas, le ha dado a la imagen una importancia que antes no tenía. Sacarse una foto durante una gira en el aeropuerto o en un teatro de Europa, parece ser lo que al público “le gusta”, parafraseando el mecanismo de “megustear” que ha instalado Facebook en la cultura. Hoy todo puede viralizarse y ponerse de moda. Y muchas veces parece ser que quienes intentamos hacer arte estuviéramos en búsqueda de viralizarnos. ¿Podríamos llamar al siglo XXI como el siglo del “me gusta”? Seguramente estoy exagerando, sin embargo creo que nuestra cultura y nuestra forma de comunicarnos se vulgariza y banaliza cada día mas.

Pero después de muchos años uno aprende, a los golpes. Si uno esta dispuesto a aprender del proceso creativo, descubre que no es posible hacer espectáculos sin fracasar. Cuando uno se acostumbra al fracaso, comprende que un espectáculo es en el fondo el arte de fracasar y construir sentido en el fracaso. Un director es un buscador de fracasos. Samuel Beckett escribió:

"Siempre intentaste. Siempre fallaste. No importa. Intenta de nuevo. Falla de nuevo. Falla mejor."



En este sentido, comprendo que un ensayo particularmente consiste en el arte de fracasar. Se trata de buscar mejorar la capacidad de fracasar. Si uno logra vencer el demonio interior que nos genera el deseo del éxito, uno descubre que existe un camino en el cual pueden empezarse a buscar la verdad y la belleza. Aprender a fracasar es doloroso. Escribo hoy para elaborar el fracaso de ayer. Quiero decir que aprender en que me equivoqué implica primero evitar enojarme con mis errores. Hacerse cargo es difícil, sobre todo para quienes trabajamos en las artes escénicas, dado que la obra sucede a través de nuestros cuerpos. Lo especifico de los errores implica analizar lo especifico de las tareas de dirección. ¿Donde está el error? ¿Elegir mal el equipo de trabajo? ¿Equivocarse en el reparto de los personajes? ¿Pueden subsanarse los errores? 


Creo que todo error puede subsanarse. Pero un error antes de realizar una función puede llevarla al fracaso, aunque el publico la aplauda y la ovacione a la función. Uno sabe cuando la función no salió como uno quería que la función saliera. Es ahí dónde aparece la experiencia del fracaso. Ver la función y sentir que está saliendo mal, y no hay forma de evitarlo es una de las peores sensaciones que me ha tocado vivir. Gracias a Dios, no me ha tocado atravesar muchas veces esa sensación desesperante, angustiante y opresora del fracaso. Uno podría discutir que el fracaso y el éxito son subjetivos y en mucho dependen del gusto de quienes reciben la obra, es decir en los complejos fenómenos de recepción. Sin embargo, uno sabe que a veces fracasa. 


Es difícil discriminar la producción de la dirección. Las contigencias de las formas del producción en el teatro independiente, son despiadadas, antropófagas y salvajes. Creo que el aprendizaje tiene que ver en comprender al fracaso como una búsqueda sutil. En lugar de verse desbordado por escandalosos fracasos, que producen mucho dolor en el pecho, creo que los directores podríamos encontrar una estrategia del fracaso, en la cual podamos administrar y gestionar pequeños fracasos en las funciones. Proyectar el fracaso nos ahorra la escandalosa sensación de creer que somos lo peor del mundo y no merecemos nada de lo que hemos sabido construir con paciencia y trabajo. Fue también Beckett quien declaró

"Mis errores son mi vida”



Las formas de producción contemporánea pueden resultar un atentado terrorista contra el arte. En este sentido el dramaturgo enseña acerca de nuestra relación con la importancia personal, el ego y el narcisismo, grandes enemigos del impulso artístico. Equivocarse, en realidad es la esencia del arte. Sin error, no hay impulso. Sin impulso, no hay vida. Sin, vida, no hay arte.

Cocktail y firma de ejemplares en librería "La Libre"



"Jorgino" es el nuevo libro de Alan Robinson.

Facundo Quiroga, tataranieto del caudillo argentino y joven psicólogo, empieza a investigar la muerte de Jorge Bonino, un artista argentino que en vida fue reconocido en todo el mundo.
El rumor asegura que Bonino se “suicidó” en la colonia psiquiátrica Emilio Vidal Abal, luego de  diez años de internación. La historia basada en hechos reales tanto como hechos ficticios, empieza como un policial sobre el delirio y la locura pero después...

"Jorgino. Locura y pasión por Jorge Bonino" es un proyecto seleccionado por el Programa Plataforma Futuro, del ministerio de cultura argentino.

Ilustraciones. Eric Robinsón
Diseño gráfico. Renata Cymlich
Editorial. Los hermanos

¿Porqué publico una novela?

En el año 2013 la fortuna quiso que publicara el libro "Actuar como loco, experiencias del teatro y la locura". El libro es al día de hoy muy leído y estoy agradecido de los lectores que me invitan a dar charlas y talleres sobre las relaciones entre el arte y la locura. Además gracias a "Actuar como loco" me animé a presentarme ya no solo como dramaturgo sino como escritor.
En el año 2016, empecé a estudiar la vida del actor Argentino Jorge Bonino.

Quería realizarle un homenaje póstumo, y me puse a escribir una novela sobre su obra. Jorge Bonino revolucionó el teatro en el mundo, y muchos teatristas aún no lo se han enterado. Mi novela trata acerca de la búsqueda de la verdad y la belleza de un joven psicólogo que cree que Jorge Bonino no se suicidó sino que fue asesinado por la psiquiatría. Mi premisa es la misma que Artaud usó para homanjear a Van Gogh en su libro "Van Gogh, el suicidado por la sociedad". Algunos artistas no se suicidan, sino que son asesinados por ero tomanos enfermos con delantal blanco y titulo de médico.

Los conocemos...son quienes nos dan rivotril y clonazepam para poder dormir cada noche.

Proyecto migrantes


"Proyecto migrantes" es una obra sobre la migración, la infancia y el amor realizada a modo de esas narraciones orales que el tiempo las va volviendo leyendas, para que siempre recordemos nuestro origen. Las actrices son migrantes, y han sabido manejar su oficio con total destreza conducidas por una muy buena dirección, que logró el justo equilibrio entre mensaje e imagen.
Se trata de una obra de una bellísima poesía femenina. La puesta en escena apela al teatro de objetos, a los títeres y un humor muy picaresco sobre algunos típicos personajes en México y en Bolivia. Es una obra de leyendas, mitos y ritos, llena de colores y emociones.
"Proyecto migrantes" no cae en lugares comunes ni en estereotipos culturales, porque es una obra en la cual la ternura nos lleva de la mano para contarnos un historia de ensueño.
Es una obra para ver en familia. Es una obra entretenida y bella, que encontró una forma amorosa de hablar de la migración, una problemática que hoy en Argentina se ha vuelto mas difícil para muchos hermanos y hermanas latinoamericanos. Muchos funcionarios públicos han dado declaraciones muy discriminatorias sobre nuestros compatriotas de la patria grande.
Ojalá esta obra pueda mantenerse en cartel en muchos escenarios Argentinos y latinoamericanos, pero ya sabemos eso no depende de nosotros, depende de la "pacha"!


Viernes 21 y 28 de Abril 20,30 hs. Teatro Pan y Arte
Avenida Boedo 876 Teléfono 4957-6922

Sábado 6 y Domingo 7 de Mayo 21 hs. Teatro Río Colorado
Segurola, 2355 Teléfono 4566-4440



ELENCO
Berenice de la Cruz, Violeta González, Cynthia Pineda y Olivia Torrez
Guión Violeta Robledo - Andrea Castelli
Producción Mauro Ibarra - Carina Mele
Gráfica Natalia Batellini
Realización de títeres Violeta González - Cynthia Pineda
Colaboración vestuario Abril R. Bonetto
Colaboración en difusión Laura Castillo
Dirección Andrea Castelli

Papalote azul
Violeta González y Cynthia Pineda, cuentan la historia de Cata y Amelia, dos niñas que juegan y pasan los días en algún pueblo de México. Es 1930, la revolución llega a su fin. La incertidumbre crece, la esperanza está en irse, aunque esto implique separarse de las personas que se quiere. El mundo de la infancia, los afectos primeros, la lengua madre caben en el cielo de un papalote azul...

La balsa de la Ekeka
Un mercado donde todo lo que se desea puede comprarse en miniatura. Contratito de trabajo, gallito para que el amor llegue. Billetitos, casita, valijitas y amuletos: es la Feria de Alasitas. Comprar, challar, tradición precolombina que cada año en la ciudad de La Paz rinde culto al Ekeko, dios de la abundancia. Berenice de la Cruz y Olivia Torrez, interpretan a Marte y Sole, en La balsa de la Ekeka, un viaje por la cultura de su tierra y sus deseos.

"Integral Pavlovsky" en el Cervantes

Fecha 04/03/2017
Localidades: $ 20.-

Libertad 815 - CABA
4816-4224
4815-8883 al 6, int 121

“No se puede jugar a medias; si se juega, se juega a fondo; para jugar bien hay que apasionarse, para apasionarse hay que salir del mundo de lo concreto. Salir del mundo de lo concreto es introducirse en el mundo de la locura; del mundo de la locura hay que aprender a entrar y salir; sin introducirse en la locura no hay creatividad, sin creatividad uno se burocratiza, se torna hombre concreto. Repite palabras de otro.”

Eduardo Pavlovsky.

 

Actores argentinos reciben un premio a su locura


En Argentina hay una antigua tradición que llega a nuestros días que vincula al arte, la salud mental y la locura. Eduardo Pavlovsky, Vicente Zito Lema, y Jorge Bonino son algunos de sus exponentes. 

Pavlovsky fue un psiquiatra arrepentido que encontró en el teatro y el psico drama el perdón, la catarsis y la redención cultural. Fue Pavlovsky quien expresó con contundencia la relación entre locura y creatividad: “No se puede jugar a medias. Si se juega, se juega a fondo, para jugar hay que apasionarse, para apasionarse hay que salir del mundo de lo concreto, salir del mundo de lo concreto es incursionar en el mundo de la locura, del mundo de la locura hay que aprender a entrar y salir, sin meterse en la locura no hay creatividad, sin creatividad uno se burocratiza, se torna hombre concreto, repite palabras de otro.” 

Zito Lema es un escritor y dramaturgo, que ha dedicado su obra a la defensa del delirio y la subversión. Bonino fue un actor que renovó el lenguaje actoral en el mundo hasta que fue detenido por el poder psiquiátrico, y suicidado por la sociedad cordobesa en el manicomio Oliva.


El 21 de noviembre de 2016 se entregaron los “Premios Luisa Vehil” y la noticia que queremos destacar es la mención especial que recibió el colectivo "Barquitos de papel", por su obra "Psssikiatry" y su trabajo para la inclusión de minorías emergentes. Me animo a decir que es la primera vez en la historia que se reconoce a las personas locas como una minoría emergente. Debe ser la primera vez que se reconoce públicamente a la locura como una identidad, y no como una patología, enfermedad o trastorno.

Felicitamos a “Barquitos de papel” y esperamos que sean la primera de muchas manifestaciones estéticas de esta minoría emergente. Soñamos con una cultura de la locura, así como vemos crecer día a día las expresiones estéticas de una cultura villera. El premio nos trae alegría, pero al mismo tiempo nos obliga a plantear una discusión, que expresa desde el campo del teatro las tensiones entre cuerdos y locos. 

El periodista especializado en teatro y música Daniel Gaguine entregó el premio que recibieron el coordinador del elenco Valerio Cocco y el actor Álvaro Murias. El jurado y la organización de los premios Luisa Vehil, han dado seguramente sin saberlo un paso enorme para la historia de la cultura. El hecho es comparable con el reconocimiento público que ganó Harvey Milk, como representante de una minoría homosexual en la década del 60. Recordemos que recién en 1973 se retira a la homosexualidad como enfermedad del DSM II en Estados Unidos.

Sin embargo el caso de la compañía “Barquitos de papel” no cuenta con un representante de la estatura de Harvey Milk, porque las notas periodísticas las da el psicólogo italiano Valerio Cocco, quien está al mando de la compañía. Valerio Cocco desliza una generalidad que pretende borrar del campo de la cultura a artistas como Artaud, Allan Poe y Van Gogh, “todos los artistas admiten que la locura es otra cara de algo más complejo donde no se puede separar al cuerdo del loco.”. En realidad, los artistas suelen separar al cuerdo del loco, para defender la identidad del loco, quien es simple invisivilizado por la industria cultural. Van Gogh y Artaud escribieron sobre esa antinomia. El premio que recibe la compañía “Barquitos de papel”, contradice la concepción neuro normativa de Cocco sobre la locura, al reconocer a los actores de “Barquitos de papel” como representantes culturales de una minoría emergente. Las actitudes neuro normativas son aquellas aprendidas en la cultura que pretenden mantener el orden establecido por los neuróticos que tienen el poder en todas las esferas sociales. Son aquellas actitudes que buscan que todos seamos normales.


“No son cuerpos normales y los movimientos son diferentes” expresa sobre sus actores y asegura que “No hay loco. Hay otra cosa”. Sin saberlo y sin mala intención Cocco reproduce la cultura neuro normativa, o sea la “psiquiatrización de la conducta y el discurso” al hablar en nombre de sus actores y etiquetarlos al asegurar “no son cuerpos normales”. Cocco es un psicólogo mas, y está atrapado en el discurso neuro normativo. Vivimos en una cultura donde las reglas son impuestas por el sentido común y la neurosis. Estamos gobernados por neuróticos que se atribuyen el derecho a decidir que cuerpos son anormales y que movimientos son diferentes. Esto no es mas que una expresión del miedo pánico que sienten los neuróticos a la libertad. Y han sido los neuróticos quienes han inventado el capitalismo para tratar de dominar su miedo pánico a la vida. Los neuróticos son quienes organizan el mercado, y son ellos quienes no pueden vivir sus vidas por la enorme culpa que sienten por el solo hecho de existir.

Cocco ocupa desde la psicología el rol del director teatral y desde allí coloniza el discurso, la conducta y los cuerpos de sus actores, con supuestas buenas intenciones terapéuticas. Cocco hace con técnicas psicológicas lo mismo que hacen los psiquiatras con psico fármacos, controlar el discurso, la conducta y la estética de sus pacientes.

Valerio se atribuye el derecho de confesar públicamente intimidades de los actores alimentando sabiéndolo o no, el morbo que el dice querer combatir. Expresa sobre una actriz de su compañía: “Laura, al principio, tenía muchísima dificultad para entrarle al personaje. Nos clavamos mucho en la primera escena por las limitaciones que tiene en su crecimiento personal e interior. Antes de su primer episodio psicótico, ella tenía un peso normal pero con los psico fármacos, engordó. A raíz de eso, empezó a tener problemas con las articulaciones por el sobrepeso.” Es inevitable sentir pudor frente a estas declaraciones que se vuelven por parte de Cocco una obscenidad y un atropello a la intimidad de Laura. Parecería ser que en tiempos de redes sociales el teatro no está a salvo de entregar la intimidad al control social de google y sus secuaces. Pero el problema en este caso particular se corresponde con la generalidad en la que los psicólogos creen saber de lo que están hablando, cuando en realidad siempre ignoran su objeto de estudio. Los psicólogos quieren definir la locura como psicosis, y vienen fracasando dramáticamente. Los manicomios representan el fracaso contundente de la psicología, la medicina, al sociedad y la cultura.


Acaso el desafío para el director de los actores de “Barquitos de papel” luego de haber ventilado impúdicamente tantas intimidades, sea pedirles a sus actores que dejen de usar drogas psiquiátricas. Sabemos que las drogas psiquiátricas son el enemigo mas poderoso del actor, dado que estás controlan las emociones. Un actor que usa drogas psiquiátricas no tiene el mismo acceso a sus emociones que un actor que no las usa. Tiene menos acceso al material emocional de su trabajo. Todas las estéticas buscan que la emoción en escena sea verdadera, sea cual sea la forma en que esta se exprese. La verdad emocional es transversal a las estéticas teatrales. En este sentido reprimir las emociones usando drogas psiquiátricas, implica ocultar la verdad. Es mas fácil dirigir actores que usan drogas, que dirigir actores que no las usan.

Sin embargo lo que queremos destacar en esta oportunidad es el movimiento cultural de un grupo de actores, que han sido reconocidos y elegidos en la cultura Argentina como representantes de una minoría emergente. Los aplaudimos de pie. Las personas locas paso a paso y muy lentamente se van constituyendo como una minoría emergente. Empiezan a visualizarse de a poco su discurso, y en el caso de la compañía artística “Barquitos de papel” han sido reconocidos por su obra teatral y su trabajo por la inclusión.

Sin embargo, los grandes medios de comunicación se resisten a reconocer a las personas locas como actores, y Hernán Firpo definió el trabajo del elenco de “Psssikiatry” para el diario Clarín de esta manera “No-actores para una no-obra que podría encajar perfectamente en la trama del biodrama”. Firpo como Cocco niegan al actor, su locura y su obra. Una vez mas el poder mediático quiere negar a las personas locas como una minoría social. Las personas locas son una minoría que al menos en Argentina, empieza a empoderarse con acciones, obras y discursos que cuestionan y subvierten el poder de los normales y los neuróticos.

Por el momento nos llamamos a silencio para no hacer lo que todas las personas normales y neuróticas siempre hacen: Imponer etiquetas, drogas psiquiátricas y hablar en nombre de las personas locas.

Alan Robinson.

Director teatral.

Primer encuentro GETI.

Viernes 9 y Sábado 10 de Diciembre  - Sala Hasta Trilce - Mazza 177. 


¡ENTRADA A LA GORRA!
 
Sobre el 1er  Encuentro y Los Grupos Estables de Teatro Independiente (GETI)
 
Creemos en la potencia artística, social y política de un teatro que se produce en grupo, sin mediación privada o estatal que rija su organización interna y defina repertorios, estéticas y sentidos sobre la producción.  La fecha elegida para este 1er Encuentro no es casual, en estos días se cumplen 15 años de aquel trágico 2001, y si bien los grupos de GETI abarcan un espectro amplio de años de trabajo, muchos de nuestros grupos nos remitimos a esa época como fecha de iniciación. Frente a un contexto adverso en general y para la cultura en particular, consideramos nuestra tarea profundamente transformadora y necesaria, y la hacemos con la convicción de aportar a la diversidad, la alegría y al encuentro.
 
Grupos de teatro que integran GETI: 
 
El Nudo, compañía teatral. Libertablas. La Runfla. Cometa Bras. El Bachín teatro. Cooperativa Los Hermanos. Periplo, compañía teatral. Los Goliardos. Del Revés. Tres Gatos Locos. Kukla. Payasos sin carpa. Mahatma teatro. El Crisol. El Yeite. El Bavastel Títeres. Cuerda Floja. Las chicas de blanco. Amichis.

Eva Perón, una actriz descontrolada.

Tuve la oportunidad de realizar la asistencia de dirección a Vicente Zito Lema, escritor que leo incansablemente. La primera vez que lo ayudé con la dirección fue en "Participar es mas que votar", una obra de teatro callejero. Además compartí el escenario en la obra "Yo soy Fijman".
Disfruto y aprendo mucho de Vicente cuando hago teatro con él.
Mas allá de la amistad y el aprendizaje acepté participar como asistente en "Eva Perón resucitada" porque Vicente me comentó que quería hacer una ceremonia desde el delirio y la subversión. Ese fue el desafío estético que me convocó, porque lo que hace de Vicente un teatrero que se diferencia, es que en su obra hay una estética. Y eso, una estética, en definitiva es lo que queremos lograr quienes queremos hacer arte.


Cada vez que veo una función inevitablemente pienso en la cultura argentina y en la educación teatral de nuestra ciudad de Buenos Aires. ¿En una cultura que nos enseña a obedecer al dramaturgo y al director es posible que los actores actúen desde la subversión? ¿En una cultura que nos obliga a ser normales, es posible actuar desde el delirio?
Los ensayos fueron muy difíciles, por no decir caóticos.
¿Viste que lo normal es que los actores y directores describan a sus grupos de trabajo como lo mas maravilloso que les pasó en la vida? Bueno, es todo mentira, o "actuación materialista". Acá es cuando haciendo una retrospectiva, veo la maestría de Vicente, que para lograr un marco que les permita a las actrices actuar desde la subversión, renunció a la autoridad que le da la naturaleza de su rol de director. Se limitó a dirigir coordinando al grupo. Eso permitió entender el valor de subvertir un modo de ensayar teatro en Buenos Aires.
Será el público, sin embargo quien decida si la obra es subversiva o no.
Al mismo tiempo la ausencia de autoridad y autoritarismo, permitió que en algunos ensayos se manifieste el delirio. Pero sabemos que es mas grande el miedo al delirio que al subversión, por lo cual hacer una obra desde el delirio resulta extremadamente difícil.
La actuación, frente al delirio artaudiano se aferra con pánico a la comodidad stanislavskiana. En el caso de nuestra obra Zito Lema discute con Kantor y Grotowsky, proponiendo una épica obrera de la cual Boal se habría enamorado.


No es fácil lograr una ceremonia desde el delirio y la subversión para resucitar a Eva Perón. El sistema ha fracturado nuestra relación con la religiosidad y la naturaleza. Nosotros estamos trabajando para recomponer esa relación.
Semana a semana, buscamos lograr que reviva la actriz descontrolada que fue Eva Perón. Cuando el delirio y la subversión se manifiestan en el cuerpo de una actriz, no importa si el escenario es un teatro, una fábrica o el balcón de la casa rosada. No importa si actuar es una convención, una mentira o una verdad.
Solo nos queda el propósito de delirar y subvertir la cultura, para revivir la vida.

Fuego amigo.

Mariano Tenconi Blanco escribe este "artículo teatral". La premisa es que existe un "teatro snob" que parece ser la "mayor afrenta contra" el teatro.
Yo creo que la mayor afrenta contra el teatro es la soberbia y ignorancia.

http://laagenda.buenosaires.gob.ar/post/138064953750/contra-el-teatro-snob

Grotesco "furioso"



El teatro, mas allá de su voluntad discute, debate, cuestiona o dialoga con la cultura y la historia. El teatro no tiene como objetivo "manifestarse" sobre lo que pasa en su época, pero lo hace aunque no lo quiere. La "performance" mas excéntrica se expresa en su lenguaje sobre lo que sucede en la cultura. Por esto me vengo preguntando sobre qué teatro estamos haciendo hoy.
"Balcarce" es el perro del presidente Macri. El presidente argentino o sus asesores, ya no importa, le sacó una foto en el sillón presidencial.
La foto, según quienes votaron por "Cambiemos" nos propone descontracturar nuestra relación con el poder político. A mi me encantaría descontracturar mi relación con el poder político si la propuesta de "Cambiemos" fuese una propuesta anarquista. Pero como nada mas lejano a "Cambiemos" que la anarquía, prefiero mantener mis contracturas y tensiones con el poder.
El grotesco criollo muestra como los personajes se encuentran alienados en una división entre el ser y el parecer, en la cual el rostro y la mascara atraviesan una tensión muy compleja. La tensión de los personajes grotescos, provoca una risa trágica, esas situaciones en las que uno ríe al tiempo que piensa en lo trágico que está provocando esa risa. Los personajes en el caso de la obra de Discépolo, terminan padeciendo su realidad. Suelen hacer fuerza por negar los conflictos impostando una esperanza muy incómoda. De esta forma "lo familiar" se vuelve "fantasmagórico". Freud analizó en la literatura este efecto artístico.
"Balcarce" en el sillón presidencial tiene muchos elementos del grotesco, incluso el potente efecto de "lo siniestro" en el cual lo que debería mantenerse en privado se hace publico. De esta forma cuando "Balcarce" ocupa la figura del presidente, esta figura se deforma, se animaliza.
Creo que las figuras del poder no deben ser respetadas por los artistas. En el caso de "Balcarce" resulta evidente que detrás de esta foto hay una estructura de poder político eficaz, eficiente e inmensamente poderosa, porque quienes están detrás firmando los acuerdos que dejan a miles sin trabajo, están tan tranquilos que le permiten a Macri y su equipo, todos los "gestos" como el de "Balcarce" que ellos quieran hacer.
En este sentido siento que el grotesco criollo, para quienes hacemos teatro, nos ofrece la posibilidad de crear un "grotesco furioso" para la cultura que hoy tenemos en Argentina. Me refiero a la necesidad de un grotesco teatral en estado de furia, con una potencia actoral que pueda hacer preguntas incomodas a la cultura que llevó a "Cambiemos" al poder.


Fama o Popularidad



Andrés Granier es un gran actor. Un tipo muy inteligente. Hace poco recorrió muchos programas de televisión de aire y de cable, gracias a los videos que hizo desde Dubsmash, una aplicación para celulares que le permite ensayar y filmar distintas parodias de personajes famosos.
Hoy en día las redes sociales son un gran espacio de difusión para los artistas. Si bien el teatro precisa de la presencia del publico, Granier encontró la popularidad riéndose de la fama.
En su CV hay numerosos trabajos como actor, dramaturgo y director. El arte del actor es su propósito, y si la vorágine de la TV y la alienación de las redes sociales son un medio, mejor aun, porque con tipos como Andres, la TV y las redes sociales se vuelven mas dignas de visitarlas.

CV Andres Granier

Entrevista a Alan Robinson: “Los procesos artísticos son psicóticos, subversivos y delirantes”


Actuar como loco es el primer libro del escritor, actor y dramaturgo Alan Robinson, quien fue internado dos veces por diagnósticos relacionados a la locura. En el relato de su propia experiencia, sostiene: “Yo luché contra el poder más grande del mundo actualmente: la industria médica, la industria farmacológica”. En clara oposición a la visión actual sobre la salud mental, no duda en afirmar: “Un manicomio es drogar a una persona hasta que se muera”. Su historia personal, su propuesta teatral, la diferencia entre ser y estar, sus planteos sobre la alucinación y la imaginación y la visión del arte según Robinson en este nutrido diálogo. “Un artista es tal si le está dando respuesta a la problemática en la que se encuentra, tratando de resolverla y tratando de traer amor y belleza donde están el odio y la maldad”, plantea. Colaboración especial en el armado de esta nota: Paola Fernández Mafut.

http://www.laprimerapiedra.com.ar/2014/12/entrevista-alan-robinson-los-procesos-artisticos-son-procesos-psicoticos-subversivos-y-delirantes/

Una Salida En Familia

Un sábado lluvioso, en pleno invierno, luego de un triunfo de Argentina en plena fiebre mundialista, fuimos con mi hija a ver Kuñatai al teatro Gargantúa. Y la sala estaba llena. Este es el primer indicio a favor de la propuesta para toda la familia. Sin embargo no seamos exitistas. Tampoco una sala llena es la medida de una buena obra. Mi hija Sol (4 años) al terminar la obra me dio su opinión "Muy linda la obra papi, cuando sea grande quiedo ser bailadoda de folclore y con mis amigos hacer una obra de teatro para todos que sean felices y poned carteles de prohibido fumar, no usar celulares y hacer silencio"
Si una obra de teatro transmite esta sensación a una niña de 4 años, para mi no hay mucho mas que decir. La obra de la "Compañía Terca" es de calidad. Kuñatai es una fábula del litoral argentino, llena de un humor tierno e ingenuo muy propio del "Clown". Está inspirada en la novela estadounidense "Mujercitas" y se presenta como un cuento de navidad para toda la familia. 



En escena hay 9 actores que diferenciados sólo por sus roles cómicos mantienen un muy buen nivel durante toda la obra. Kuñatai nos hace recordar a la talentosa "La Banda de la risa" dirigida por Gallardou allá en la década del 90. Son tan conmovedores, sinceros y divertidos los clowns en escena, que por momentos dan ganas que se saquen las narices, la estructura y empiecen a improvisar. Cuando un grupo es solido y compacto como el grupo que vemos en Kuñatai, las sonrisas se agradecen. Este grupo de actores se compromete con el folclore del litoral Argentino, recordando y mencionando la guerra del Paraguay, poniendo en valor la dignidad, la esperanza y la familia. Mirando desde el clown, un estilo que han decidido defender grupalmente en escena. 

Por todo esto agradecemos Kuñatai, que en guaraní significa "Muchacha Hermosa" ¿Y porque le pusieron este nombre? Y bueno...habrá que averiguarlo yendo al teatro!




Cuándo y Dónde:

Sábados 19hs - Teatro Gargantúa (Jorge Newbery 3563) - 
http://www.kuniatai.blogspot.com.ar/


Coro Criollo en la vigilia por Dario y Maxi.


"Hay que matar a los pobres" es la obra que hicieron el dramaturgo Vicente Zito Lema y el Colectivo de artistas "Fin de Un Mundo" en la Vigilia por Maximiliano Kosteki y Darío Santillán, el pasado 25 de Junio.
La obra es la historia de un poeta disputándole a la muerte y sus aristócratas aliados, el recuerdo y la memoria del asesinato de dos militantes sociales. El texto fue una selección de diversos escritos del dramaturgo Vicente Zito Lema, en su obra "La pasión del piquetero" quien subió a escena a hacer lo que siempre hace: Actuar. Porque hay que destacar que Vicente cuando enseña actúa, cuando escribe actúa, y cuando sube a escena actúa. Zito Lema es uno de esos artistas inmensos que dedican su vida a hacer de este mundo un mundo mejor. Y viene dejando huella. Una huella que se va haciendo camino, cuando otros se suman al trabajo de hacer de este mundo un lugar mejor. Y ayer, caminaron esa huella, los artistas del colectivo Fin de Un Mundo, con el canto, con la danza, con la música y con la actuación.


Y aquí destacamos que la obra desbordó la escena llegando a encender las emociones en los corazones de los presentes, tuvo la virtud de poder conjugar el arte de la palabra, el arte del movimiento y el arte del sonido en un conjuro nocturno para celebrar la vida y honrar la memoria de Maxi y Darío. Y vaya que se cumplió el propósito! La canción final de la obra, muy pegadiza, empezó a corearse suavemente, como un himno sagrado entre los presentes.



La obra "Hay que matar a los pobres" es un coro criollo popular. Algún trasnochado de las formas podrá haber confundido la obra con una tragedia griega, dado que hay varios elementos que parecerían demostrarlo a saber: el verso, El Protagonista (El poeta Vicente), el Antagonista (La muerte y sus aristócratas) y el Coro (los cantantes). Pero quien haya leído y estudiado la dramaturgia de Vicente Zito Lema, como lo hicieron los artistas del colectivo fin de un mundo, habrá descubierto que tanto en la ética como en la estética Zito Lema realiza una critica superadora a la estética propuesta por Aristóteles. Esta propuesta realizada por este colectivo de artistas de las pampas, afirma que la poesía y el arte verdaderos, como rezaban Artaud y Van Gogh, son del pueblo y de los que trabajan. Quien haya escuchado la guitarra criolla, el violín, la música y el canto habrá vivrado al ritmo de nuestra Tierra. Estamos mas cerca de un grupo de curanderos y curanderas conducidos por un sabio y anciano cacique criollo, como Vicente, que de unos ciudadanos trabajando para los intereses de la polis y las instituciones democráticas.
Los artistas del colectivo fin de un mundo leyeron con el corazón la dramaturgia de Zito Lema, quienes junto al poeta, regalaron una maravillosa obra llena de emoción y poesía al pueblo que se juntó a mantener viva la memoria de Maxi y Darío, pidiendo de esta forma Justicia a los funcionarios públicos que aun no han juzgado a los responsables políticos.



Diario de un espectador - "Golpes a mi Puerta"

¿Que escribir que ya no se haya escrito ya sobre "Golpes a mi Puerta"? Una vez más el camino es la honestidad, como enseñaba Juan Carlos Gené.
¿Qué puedo agregar, entonces, además de suscribir a todos los elogios ya escritos a esta obra d teatro por personas que escriben por lejos, mucho mejor que yo?
Me considero un profesional de la palabra. Trabajo como escritor, director, profesor, actor, poeta y periodista. Todos los días convivo con el oficio de comunicar y comunicarme. Y acá viene mi problema, porque "Golpes a mi puerta" me dejó sin palabras.
La pieza teatral escrita por Juan Carlos Gené encarnada por un excelente, potente y firme grupo de actores en escena, conducido por Daniela Katz y Eugenia Palioff, que interpretan los personajes que enfrentan el conflicto: Ocultan a un militante perseguido por las fuerzas armadas. Detrás de este grupo, descubrimos que el director de la obra Eduardo Graham, cumplió en hacer de la literatura dramática, una obra de teatro viva que sucede entre los personajes, como sugiere en su libro de teoría "Escrito en el Escenario" Juan Carlos Gené. Por lo cual aquí también hay que destacar el tono justo de la dirección de esta obra, que no imposta un homenaje ni se regodea del doloroso pasado. Sino que por el contrario, es un homenaje vivo de Juan Carlos Gené.
Como decía, la obra me dejó sin palabras. Y esa es la gran y excepcional virtud de "Golpes a mi puerta", una obra que nos conmueve, que recuerda la década de 1970, para hacernos preguntas en la actual década del 2010, en la que tenemos un Papa Argentino, y la Iglesia Católica, aun sigue siendo una organización verticalista.
Dejo mi deseo mas profundo de que esta obra continúe al menos unos 5 años mas en cartel, y que el pueblo pueda apropiarse de ella, porque esta en verdad es una obra que fue escrita para los Argentinos y latinoamericanos a quienes Juan Carlos Gené dedicó su vida y su obra.
Mi mas sincero agradecimiento a todo el equipo que hizo posible que todos los domingos a las 20hs. podamos ver la divertida y conmovedora "Golpes a mi puerta" de Juan Carlos Gené en Andamio 90.

Crónica de una entrevista

Llegué al canal, a la hora de los últimos sueños antes que la ciudad despierte. La Luna se despedía dejando una intensa neblina que juntaba todo lo que estaba separado. Me anuncié, me hicieron pasar y fui llegando hasta el estudio donde me harían la entrevista. Entré y me senté respetuosamente sin molestar el trabajo de nadie.
Un señor a mi lado tomaba mate y conversaba con otro de actualidades sociales. Le pedí un mate. Me lo quiso cobrar $100. No le encontré gracia a la broma. No la festejé. Yo estaba ahí para hablar de mi libro. Decidí mantenerme concentrado. El señor me preguntó si quería el mate dulce o amargo. Le agradecí y elegí amargo. Me dio un mate dulce. Edulcorado. Con edulcorante. Mantuve mi concentración.
Una señora me maquilló y no me dirigió la palabra. Yo cerré los ojos. La periodista Verónica Gonzalez, me explicó como iba a ser la estructura de la nota. Mientras la escuchaba me perdí. Le agradecí y le dije que ella conduciera que yo me dejaba llevar.
Llegó mi turno. Me senté en la silla y me di cuenta que no podía apoyar los pies en el piso. Estaba como flotando en el aire. Entré el pánico, porque necesitaba apoyar mis pies en el piso, porque debajo del cemento siempre está la Tierra que nos mantiene y sostiene en equilibrio. Busqué refugio en Verónica, pero ella no me pudo ver con los ojos porque es ciega. Estaba solo flotando en el aire. Busqué apoyo mirando a los periodistas, productores, o técnicos, pero no encontré nada. Estaba solo, frente a Verónica que no me podía ver. Entonces descubrí que a mi lado había un vaso de agua. Tomé agua. El agua me calmó un poco, y volví a mirar fijo a Verónica. Mantuve mi mirada hacia ella.
Y ahí, de pronto... ella me empezó a "ver". Deslizó una leve e imperceptible sonrisa. Y en ese momento se presentaron todos mis familiares y todos mis amigos. Toda mi historia, todo mi presente y todos mis sueños me apoyaron. Y ahí comenzó la entrevista en la que no hablé yo.
Hablamos todos.


El circo Criollo y Juan Carlos Gené.

Me levanto muy temprano pensando en leer algo de Gené. Es un sábado de Otoño a las 5.30 de la mañana. Aun no sale el sol. Preparo mi tradicional desayuno, mate con miel y hoja de coca. Prendo la radio y busco radio nacional. Sintonizo una radio, que parece Radio Nacional, pero no alcanzo a descubrir si es, por estar aun muy dormido.
Sigo pensando en Juan Carlos Gené. Recuerdo el glorioso año que estudié dirección con él. Cuanto aprendí de "El Viejo" como le decíamos tímidamente.
Recuerdo que uno de estos Domingo tengo que ir a ver la obra de teatro escrita por Gené, "Golpes a mi puerta", que está en cartel porque actúa una actriz amiga mía, Eugenia Palioff. A Euge la dirigí en dos obras: "Instrucciones para dormir sin pesadillas" y "El Eskape del Panóptico". Euge es una muy buena actriz, por algunas cualidades particulares. Antes que todo siempre está aprendiendo, es decir que logró comprender que el crecimiento, el aprendizaje y la vida van de la mano porque es nuestra naturaleza vivir creciendo y aprendiendo. Es decir, saber madurar. Euge sabe madurar como actriz, sabe crecer como actriz, sabe vivir como actriz. Por eso siempre me resulta muy interesante ir a verla actuar, aun en sus trabajos que no me guste mucho el texto o el criterio de dirección. Otra de las cualidades que siempre elogié de esta actriz es su capacidad de confiar en la intuición y dudar de la razón. Me acuerdo los años cuando ensayábamos, cuando venía con una propuesta sobre alguna situación escénica. Era maravilloso. Me contaba cada ocurrencia con la frescura y picardía de un niño que está preparando una travesura, o demostrando sus poderes mágicos. No se si los actores viven el teatro como una travesura o como un ritual mágico, o ambas cosas. Pero es maravilloso, cuando vienen en un ensayo a contarte las fantasías y las cosas que ven, y las aventuras que se les ocurren. Palioff es una gran actriz porque confía en su percepción y en su capacidad de comprender la escena con el cuerpo, pero sabe que los directores somos medio idiotas y tiene que explicarnos en palabras (Que aburrido...) lo que ella quiere hacer en la escena. creo que los actores que tienen estos poderes mágicos, están entregados a algo misterioso que ni los pedagogos ni los directores comprendemos. En fin...vuelvo a Gené porque no me quiero ir de tema.
Escuchaba un tango en la radio. Un tango elogiando el viejo circo criollo, aquel en el que había obras de teatro. Aquel de los hermanos Videla, que hoy lo enseñan y defienden. Pensé, que eso es parte de mi tarea, de alguna forma colaborar a revivir el circo y el teatro criollo en cada pueblo argentino. Entonces me voy a leer "Escrito en el escenario" de Gené, abro una pagina al azar y me encuentro con esta maravilla:

"El Herrero y el diablo" fue el producto de un proceso creativo durante el cual mi principal preocupación pasaba por lo nacional, esto es, por tratar de explicarme de dónde venía el actor y el dramaturgo que asomaban en mi y como había que hacer para revitalizar el teatro y darle continuidad al viejo circo criollo. 


Ahí fue, que todo se ordenó solo. Esas cosas de la magia y el misterio. Como que me di cuenta que siempre voy caminando el mismo camino, un camino que caminaron muchos teatreros antes que yo lo caminara. Y que a Juan Carlos Gené, le costó el dolor y las lágrimas del exilio con la dictadura del 76, por defender al peronismo. Además a Juan la mal llamada revolución libertadora lo dejó sin trabajo, expulsándolo de una cátedra en la universidad de La Plata. En el siglo XX, el odio y las peleas de poder le hicieron mucho daño a nuestro pueblo. Espero en este siglo podamos evitar que vuelvan a pasar 4 dictaduras militares como hubo en el siglo pasado en nuestro país.

Por eso es que hay que recordar a los antepasados y soñar un mundo mejor para las futuras generaciones. Por eso también el próximo Domingo voy a ver "Golpes a mi puerta", porque me están llamando. Golpean a mi puerta. ¿Será mi actor interior?

A las balas, amor.



Conmemoración de la represión en el Borda. 

Reprimir es desesperarse
es asustarse
es descontrolarse.

Enloquecer, es viajar
es aprender,
es conocer.

Disparar, es destruir
es morir
es odiar

Dialogar, es nacer
es amar,
es encontrar.

Medicar, es reprimir
es encerrar,
es censurar.

Delirar, es buscar
es pedir,
es soñar.

Pueden medicarnos
Pueden encerrarnos
Pueden atarnos
Pueden torturarnos
Hasta pueden matarnos con balas

Pero lo que nunca van a poder es vencernos
porque perdimos la verdad y encontramos la magia
porque perdimos la razón, encontramos el amor
porque desaparecimos en vida
nunca, nunca, nunca
pero nunca
podrán vencer el poder de nuestro amor!

Alan Robinson.